Antonio Buero Vallejo | Anónimo | Dominio público | commons

Nacido en Guadalajara en 1916, Antonio Buero Vallejo padeció los horrores de la guerra civil y estuvo seis años encarcelado por sus ideas de izquierdas. Desde su salida de prisión en 1946, decidió abandonar su inicial vocación artística por el dibujo, y dedicarse a escribir obras de teatro. El Premio Nacional de Teatro «Lope de Vega» concedido a su obra en 1949, y el revuelo que se armó al saber la identidad del autor, lo catapultó al éxito más rotundo e inesperado, dentro y fuera de España. Aquel «hombre reposado, de pausada vida y modales, de preciso y contenido hablar», aquel «solitario solidario» aportaría a la escena española algunas de las obras más profundas e impresionantes del siglo XX.

Cuatro veces se le concedió el Premio Nacional de Teatro, en 1971 se produjo su entrada en la RAE, y en 1986 recibió el Premio Cervantes.

El compromiso y la defensa de la libertad son las características principales de su teatro, y por ello precisamente tuvo que soportar la censura del Régimen, que estaba acechante a pesar de los premios que se le concedían, y también la crítica de algunos escritores de izquierdas, que le echaban en cara que no ideologizase más sus obras; incluso de forma absurda se llegó a hablar de su defensa velada del franquismo cuando en «Un soñador para un pueblo» nos plantea el intento por parte de Esquilache de mejorar la situación del pueblo, y su fracaso... El teatro de Buero podría calificarse de humanista, si por tal entendemos una defensa apasionada de la dignidad del hombre, aunque ese humanismo nunca aparece de forma panfletaria ni partidista, evitando siempre caer en el peligroso maniqueísmo, y esa objetividad e independencia es quizá la cualidad que más he admirado siempre en él. Son muchas las obras dignas de mención y escaso el espacio de que dispongo, pero es imprescindible mencionar, por ejemplo, el tema de la ceguera, presente en obras como «En la ardiente oscuridad» o «el Concierto de San Ovidio». La primera plantea la conveniencia de aceptar la triste condición de ser ciego, o intentar olvidarla y autoengañarse fabricando una felicidad irreal. En la segunda se plantea el poder del dinero, que se sobrepone a todo lo demás en la persona de Valindin y en su proyecto de utilizar a una orquestina de ciegos, convirtiéndolos en grotescos payasos para hacer reír a la gente y ganar dinero. Tres personajes inolvidables, convertidos en adalides de lo que el autor defiende, son Esqulache «Un soñador para un pueblo»), Velázquez («Las Meninas»), y Goya («El sueño de la razón»). En las tres obras, situadas en distintas etapas de la historia de España, vemos la misma lucha por la libertad y por la independencia personal. Especialmente problemático fue e. l estreno de una obra en que se atrevió a tocar el tema de la tortura, y que tuvo que esperar diez años -hasta 1976- para ser estrenada («La doble historia del doctor Valmy»).

Aunque el tema de la guerra civil late inequívocamente en el fondo de muchas de sus obras, el autor ha eliminado cuidadosamente datos y referencias que podrían situarlas en un tiempo y lugar determinados. Así, «El Tragaluz», una de sus obras más importantes, es un drama centrado en una familia que vive en un semisótano y está compuesta por la figura del padre y sus dos hijos. Vicente es el triunfador, el que «se ha subido al tren» mientras que Mario se ha resignado a una postura pasiva y llena de negatividad. La locura del padre viene de atrás, de los tiempos difíciles de la guerra, cuando Vicente se subió a un tren llevándose la bolsa de la comida, hecho por el cual la hermana pequeña murió de hambre...

Como conclusión, me resulta profundamente injusto que la figura de este autor se haya casi olvidado y por eso me parece necesario actualizar el mensaje de sus obras, y su presencia humilde y elegante al mismo tiempo, de exquisito trato, y sin el más mínimo poso de resentimiento o resquemor por las penurias vividas, «uno de esos escasos seres humanos, íntegros, hechos de otra pasta».

Tuvo que aprender a vivir con el hecho de que «ser mujer» proyectase una sombra sobre todo lo que hizo y lo que dijo. De hecho, solía comentar que si su nombre hubiese sido Emilio en lugar de Emilia, su vida habría sido bien distinta... Su deseo de fomentar la cultura, de ser útil y de reformar, chocaban con la idea de que la intervención en lo público era algo de hombres y la persiguió siempre, llegando incluso a decirse de ella que era «un marimacho que ignoraba si el puchero cuece a la lumbre o al sol».
Emilia estaba convencida de que las causas del atraso de España en relación a otros países era debido precisamente a la situación de la mujer («la clave de nuestra regeneración está en la mujer, en su instrucción, en su personalidad»).

Siempre negó que la mujer sea inferior al hombre intelectualmente, y ella predicó con el ejemplo, llegando a poseer una cultura autodidacta verdaderamente impresionante. El rechazo a su entrada en la Academia fue algo que siempre consideró injusto, pues estaba convencida de que la presencia de las mujeres en las instituciones públicas es fundamental. La decisión de declarar su «candidatura perpetua» se explica porque tuvo claro desde el principio que aquella no era una lucha individual sino que en su persona estaba representado todo el género femenino. «Yo no he luchado por la vanidad de ocupar una silla en la Academia, sino por defender un derecho indiscutible que, a mi juicio, tienen las mujeres. A mí no se me ha admitido en la Academia no por mi personalidad literaria sino por ser mujer».

El legado que Pardo Bazán nos ha dejado es inmenso, destacando su laboriosidad admirable, su tolerancia, y su gran curiosidad ante todo lo que desconocía. Pero lo más grande es que sus logros y triunfos los disfrutaba como logros de todas las mujeres. Por eso creo que todas tenemos una deuda con ella, porque abrió el camino para que nos resulten normales muchos de los derechos que hoy disfrutamos.